Kategorie: ABC

Es gibt Arthur Brown, einen großen, hageren Sänger mit aufgemaltem Frank-Zappa-Bart, der „Fire!“ schreit und dazu einen brennenden Kopfschmuck trägt. Und es gab einen gleich gro­ßen, gleich hageren Gitarristen mit gleich tiefer Stimme und echtem Frank-Zappa-Bart, näm­lich Frank Zappa, der am 04.12.1971 bei einem Konzert in Montreux „Fire!“ schrie und dazu noch „Off the ground, instantly!“, weil er entdeckt hatte, dass das Dach des Konzertsaales lichter­loh brannte. Dann entriss ihm glücklicherweise Claude Nobs (Spitzname ‚Funky Clau­de‘), der Veranstalter des Kon­zerts, das Mikrophon und forderte in weniger dramati­schem Ton die jungen Leute auf, geordnet den Saal zu verlassen. Er half bei der Evakuation, bis auch der letzte Besucher gerettet war. Niemand kam physisch zu Schaden, nur Zappa brauchte ein neues Equipment.

Und was hat das alles mit Deep Purple zu tun? Nun, die waren auch da, wollten am nächsten Tag hier ihr mobiles Tonstudio aufbauen und binnen einer Woche ihre neue LP einspielen. Während also Funky Claude publikumswirksam einen hustenden Jugendlichen nach dem anderen aus dem Inferno holte, spielte sich das wahre Drama in den Herzen der Purpurnen Fünf ab, die fassungslos mit ansehen mussten, wie ihre wohlausgesuchte Location in Flammen aufging, mit möglichen weltweiten Folgen für ihre Fans, die doch so dringend ein neues Meisterwerk von ihnen benötigten. It seemed that they would lose the race.

Der Rest ist bekannt. Sie schafften es dennoch, in einem leerstehenden Grandhotel, in alten Betten und bei schummriger Beleuchtung. Und hatten außerdem Stoff für einen neuen Hit, der in den USA zum bekanntesten Song nach der Nationalhymne werden sollte. Das unvergess­liche Riff besteht genau aus denselben Tönen wie das von Arthur Brown, sogar fast in derselben Reihenfolge. Wie aufmerksam und tiefsinnig! Da drückt man doch auch gern mal ein Auge zu, wenn heute irgendwo in der Welt irgendeine Band mitsamt ihrem Publikum „We all came out to Montreux ….“ grölt, obwohl keiner von ihnen dabei war. Deep Purple selber waren ja auch nur Zaungäste.

Schon mal von Subway Sue gehört? Ein Tipp: sie ist kein drogensüchtiges Original aus der New Yorker U-Bahn, auch kein Engel für Obdachlose ebenda. Sie ist auch keine Roman- oder Filmfigur, obschon der Titel „Theme from Subway Sue“ das vermuten lässt. Und ja, sie ist auch nicht die Hauptfigur eines Musicals. Sie ist das Geschöpf eines Menschen, der, wie er selbst sagt, nicht wirklich wusste, was er tat.

Dieser Mensch heißt David Surkamp. Mit 15 spielte er in einer Schülerband und entdeckte, dass er Lieder schreiben konnte. Aber weil er aus New Orleans stammte und naturgemäß dort nur Blues oder Dixieland zu hören bekam, wusste er damals nicht wirklich, was echte Musik ist. Erst als er Platten aus Übersee, also Europa hörte, lernte er die Welt der Harmonien ken­nen, sagt er. Und schrieb fortan Musik, die er Progressive Rock nannte, und das bis heute.

Er gründete eine Band, die seine Lieder spielen sollte. Aber weil er nicht wirklich wusste, was er tat, kamen ständig neue Musiker hinzu, ein Geiger, zwei Pianisten, und so weiter, bis sie zu siebt waren und noch immer keinen Sänger hatten. Nachdem das Los vergeblich seine Runde gemacht hatte, beschloss die Band, dass David seine Lieder selber singen solle. Das mochte er gar nicht, denn er hatte eine Stimme, als hätte er Helium inhaliert. Den Fans aber gefiel genau dieses Timbre, die Band wurde eine lokale Attraktion, und zwei Plattenfirmen ritterten um einen Vertrag mit ihr. David, immer noch nicht wissend, was er tat, unterschrieb beide Verträge, es regnete zweimal 500.000 Dollar für die erste LP, und die Platte kam tatsächlich binnen 4 Wochen zweimal heraus. Obschon sie sich gut verkaufte, erklomm sie nie die Charts, weil sie in diesen als zwei verschiedene LPs gezählt wurde. Und die zweite LP, die nur einmal raus­kam, verkaufte sich einfach so nicht, vielleicht wegen der europäischen Harmonien. Die dritte LP schließlich ging verloren, weil das Tonstudio abbrannte. Aber David hatte ohnehin vor, sich eine Zeitlang nur der Erziehung seiner neugeborenen Tochter zu widmen und so diverse Vertragssperren abzuwarten. Seine Fans rumorten, er sei an Heliumsucht verstorben.

Ich habe vergeblich zu eruieren versucht, warum er seine Band „Pawlow’s Dog“ nannte. Vermutlich wusste er auch da nicht, was er tat. Genauso wie bei seinem Song „Someday Soon“, der, vom Geiger als „Subway Sue“ vernommen, fortan nach der unbekannten U-Bahn-Lady benannt wurde. Das Stück übrigens genauso unglaublich wie sein Name: helium­ge­tränkte Theatralik meets belangloses Piano-Dixie-Geklimper on the rocks. Er werde spurlos verschwinden, kündet David an, und dabei nichts verlassen, nämlich jenes Nichts, das seine Ex hinterlassen habe.

Er hat sich nicht daran gehalten. Wie denn auch bei einem Menschen, der niemals wusste, was er tat! Die jetzige Besetzung von Pawlows Dog sei die beste ever, verkündete er vor einigen Jahren. Sie könnten zum ersten Male die Lieder so spielen, wie er sie komponiert habe. Ein beneidenswerter Mensch. Er wusste sein ganzes Leben lang nie, was er tat, aber er tat wohl immer das Richtige.

ARE YOU READY for Gospel?

Ein Feld voller Sklaven. Onyema, der Vorarbeiter und selbst  Sklave, treibt sie an, bis ihm die Stimme bricht. Obwohl sie alle schwarz sind, verstehen ihn nur ein paar seiner Brüder. Weil es in Afrika so viele Sprachen gibt wie Stämme. Immer länger werden Onyemas Pausen und die Arme der Sklaven im selben Maße langsamer. Das Plansoll rückt in die Ferne und damit auch die Abendmahlzeit.

Nur eine Gruppe von etwa zehn Mann hält das Tempo. Weil die Kerle singend in Trance versunken sind wie einst bei den tagelangen Tänzen in ihrer Heimat. Sie werden ihre Hauen schwin­gen ohne zu ermüden, bis jemand sie aufweckt. Onyema begreift sofort, was zu tun ist. Das ganze Feld soll singen, alle die gleiche Melodie. Der Gesang soll jene Sprache werden, die alle verstehen. Und er wird dazu den Vorsänger geben.

Zweihundert Jahre später. Die Schwarzen sind entsklavt, aber immer noch singen sie. In den Kirchen danken sie dem Gott der Weißen für seine Hilfe und Güte. „Good spell“ nennen sie ihre zumeist enthusiastische Darbietung, der christlichen Frohbotschaft entsprechend. Der Prediger ersetzt hierbei den Vorarbeiter, Ekstase die Arbeit. Musikwissen­schaftler werden in hundert Jahren allerlei Elemente wie etwa Pentatonik oder spezielle Vierteltöne benennen können, welche in den Nachkommen dieses „Gospels“ – Blues, Jazz und Soul – weiterleben.

Der vorliegende Artikel ist einem weiteren Gospel-Element gewidmet, dem Call and response genannten Wechselgesang, wie ihn der Vorarbeiter in obiger Geschichte ein­geführt hat. Der Chor hat hier nicht die Funktion der Begleitung, Verstärkung, harmoni­schen Färbung oder Verzierung einer Solo-Melodie, sondern fungiert als eigen­stän­dige Antwort auf einen Aufruf. Das durch den Chor dargestellte Volk bedient keinen Führer, sondern synchro­nisiert sich über einen Sprecher; demokratischer lässt sich Musik nicht gestalten.

Es verwundert daher nicht, dass um 1970, als in der Pop-Musik die alten Helden abdankten und an ihre Stelle die Botschaft trat, der Gospel ein Comeback feierte, bevor sich der Kommerz mit Glam und Glitzer wieder obenauf setzte. War in der Version von Edwin Starr und Are you ready von Pacific Gas & Electric geben Zeugnis einer in den USA gängigen musi­kalischen Grundausbildung, die man auf dem Kontinent vergeblich sucht, und die mit Norman Greenbaum sogar einen Weißen infizieren konnte (Spirit in the sky).

Let the gospel run through our veins. Man genieße besonders die Ekstase in War sowie die monoton-meditativen Gitarrensoli in Are you ready und Spirit in the sky. Dem Letzteren kann man getrost den seltenen Titel „Hard-Rock-Gospel-Song“ verleihen, nachdem er das typische Klatschen auf 2 und 4 mit schwerst verzerrtem Gitarrensound kombiniert. Und man wundere sich nicht über das Nebeneinander von engagiertem Protest und gläubiger Hingabe im selben Genre. Dieses existiert schon seit jener Zeit, als die Schwarzen noch Sklaven waren und auf den Feldern ihren Gesang zum Überleben benötigten.

Wenn Musiker aus den schattigen Winkeln der Gesellschaft ins Rampenlicht treten, haben sie grundsätzlich mehr künstlerische Bandbreite als jene, die schon immer an der Sonne agiert haben. Sie berichten Ungehobeltes aus dem Dunkel und drehen dabei an den Knöpfen von Leben, Liebe und Tod, in bislang ungehörten Tonfolgen, die wie selbstverständlich Musik­geschichte schreiben.

In Letzterer wimmelt es aber auch von Menschen, die an der Sonne aufgewachsen sind, die Tonleitern ebenso geduldig geübt haben wie Lesen, Schreiben und Ballett, und deren Liedern naturgemäß das Pathos der schattigen Winkel fehlt. Eine davon, Lori Lieberman, ist der Katalysator dieser Kolumne. Als Tochter eines hoch angesehenen Ingenieurs mit Job in der Schweiz kam sie schon als Kind viel herum und kannte auch so manchen Künstler aus Hollywood. Als die 68er ausbrachen, zählten Liedermacherinnen der ersten Stunde wie Joan Baez, Judy Collins oder Joni Mitchell zu ihren Vorbildern, also schlüpfte sie wie diese in bodenlange bunte Ethno­kleider, schnappte sich eine Gitarre, besang dazu ihre Sicht der Liebe und ließ ihre langen Haare im Winde wehen.

Keinen hat’s gekümmert, aber wozu hat man Freunde in der Musikbranche? Norman Gimbel, ein nimmermüder Librettist, der tagaus, tagein ungewöhnliche Phrasen wie auch Melodien jagte, um daraus bzw. dazu Liedtexte zu machen (einer davon hieß Boy from Ipanema), legte ihr einen Song über einen Sänger samt Song vor, von dem der Ich-Erzähler derart ergriffen ist, dass er daran zu sterben vermeint, und klein Lori meinte begeistert, ja, so ein Erlebnis habe sie schon mal gehabt, neulich bei einem Konzert. Brav studierte sie den Song über das Mordslied und den Mordssänger ein, aber leider hat auch das keinen gekümmert.

Weil jedoch Produziertes auch gespielt werden muss, vor allem, wenn ein Gimbel dahinter steht, kam der Song vom musikalischen Mord auf die Playlist eines Flug­zeuges, in dem eines Tages Roberta saß, die, in schattigen Winkeln aufgewachsen, jenen musikalischen Fanatismus mitbrachte, der Killing me softly zu einem Klassiker werden ließ. Noch im Flugzeug transkri­bierte sie das Gehörte, besserte ihrer Meinung nach unpassende Akkorde aus und besaß zwei Tage später die Lizenz, den Song zu covern, der mit sechs Wochen an der Spitze der Charts zum Lied des Jahres 1973 gewählt wurde. Besser kann man die Performance von Sonnen- und Schattenkindern in der Popmusik nicht beschreiben.

Der Sänger, dessen Konzert Lori Lieberman damals besucht hatte, war übrigens Don McLean, der Killersong hieß angeblich Empty Chairs, dessen Zwilling Vincent vielen besser gefällt, so wie auch mir. Don soll ziemlich betroffen gewesen sein, als er von seiner Wirkung auf Lori erfuhr. Dass Gimbel den Titel und die Idee zu dem Song aus einem Roman geklaut hatte, den er zu einem Musical umdichten hätte sollen, konnte Don ja nun wirklich nicht wissen.

Man stelle sich vor: ein Mann wird zum Opfer. Oh Graus, das ist der Alptraum! Das ist der finale Abstieg, Erniedrigung pur. „Du Opfer du!“ ist der ultimate Fluch der Rapper und Streetwasweißichs. Opfer zu sein heißt, alle Männlichkeit abgegeben zu haben, heißt, warten zu müssen auf die Willkür jemandes anderen. Wer zugibt, dass er zum Opfer geworden ist, ist quasi lebendig begraben. Alles Hochstemmen hilft nichts, nur Hilfe von außen kann ihn noch befreien. Kann es noch schlimmer kommen? Ja, es kann. Wenn Mann nämlich zum Opfer seiner eigenen Rücksichtslosigkeit wird und, einst gefeierter Star, deswegen in der Einsamkeit landet.

An wen kann er sich dann noch wenden? Richtig. An andere ehemalige Opfer seiner Rück­sichtslosigkeit. Die wissen, wie man sich fühlt, wenn man von dieser zu Boden geworfen wurde. Und die wissen vor allem, wie man sich dann wieder aufrichtet, against all odds. Speziell, wenn sie Frauen sind, die sich naturgemäß viel mehr auskennen mit dem Opfertum.

Sollten Sie inzwischen Zweifel bekommen haben, keine Angst: Sie lesen immer noch August Beckers Charts, in denen es um Musik geht. Schafft man es nämlich, das eben geschilderte Opfertum auch noch in einen Song zu verpacken, dann finden wir ein einmaliges Werk vor, in dem ein Heuchler zu wohlkomponierten Schalmeienklängen seine Opfer mit der Behauptung verarscht, nun selbst Opfer von sich selbst geworden zu sein. Also quasi mit ihnen in einem Boot zu sitzen und hierfür den alten Heuchler über Bord geworfen zu haben, der nun – seht ihr da draußen seine verräterische Rückenflosse? – vom Rachen der Einsamkeit verschlungen werde. Klassischer Wolf im Schafspelz also, Boot in höchster Gefahr! Und für alle, die jetzt fassungslos fragen, was für Musik denn August Becker neuerdings höre, sei das Geheimnis wie folgt gelüftet:

Es war einmal eine Folge der Krimiserie „Tatort“, in welcher der Schlagerfuzzi Roland Kaiser den Schlagerfuzzi Roman König spielte, welcher gerade mit dem Song „Ein Egoist“ einen Riesenerfolg feiert. Eindrucksvoll, wie Kaiser sich da selbst parodierte, mit dem Schleimer­song als Sahnehäubchen. Eindrucksvoll, bis August Becker den Song googelte und feststellen musste, dass Kaiser diesen längst vor der Ausstrahlung des „Tatort“ live gesun­gen, in die Charts gebracht und somit ernst gemeint hatte. Oder zumindest seine Fans. Ja, wo viele Schafe sind, gibt es früher oder später auch Wölfe. Denen die Einsamkeit bekanntlich nicht selten wurscht ist.

Zwei Schwestern, ein Bruder, der Vater renommierter Verleger. Bevor die vier Kinder jedoch ganz erwachsen werden, stirbt Pa an einem Herzinfarkt. Ganz in seinem Sinne beginnen seine Töchter als Girlgroup für Kinderlieder. Die Mama networkt inzwischen ungeniert bei den Reichen und Schönen, sodass zwei von ihren Töchtern schon mit Anfang zwanzig auf Sean Connerys Yacht eingeladen werden. Eine davon nimmt das unmoralische Angebot an, worauf die andere beschließt, alleine Karriere zu machen und auf Warren Beatty hereinfällt. Ihre wohl arrangierten Bürgerliche-Problemchen-Songs verkaufen sich nur mäßig.

Das alles wusste ich nicht, als ich vor 43 Jahren „You’re so vain“ hörte. Der Song flasht auch heute noch, weil er musikalisch genau die bittere Ver­achtung trifft, aus der heraus er geschrie­ben wurde. Einen upcoming lower class hero wie mich bewaffneten Zeilen wie „He walked into the party like you are walking into a yard“ für den unvermeidlichen Clash mit Upper Class Angebern, also Arztsöhnen und Lehrerstöchtern. Kinder von Bundes­politikern, Bankdi­rektoren oder Filmstars lagen (noch) außer Reichweite.

Hätte ich richtigerweise vernommen, dass der Besungene die Party wie eine Yacht betritt, dann hätte ich den Song getrasht; ich weiß bis heute nicht, wie man schreiten muss, um an das Betreten einer Yacht zu gemahnen. Hier alterierte sich also eine Neo-Jetset Tussi über Jetset Fuzzies, zu denen sie unbedingt gehören wollte und bei denen sie sich auch bis heute wohl­fühlt. Anders ist nicht zu erklären, dass sie bis dato – sie ist inzwischen 70 – in regel­mäßi­gen Abständen Schnitzeljagden um das Rätsel veranstaltet, wer denn die drei Männer seien, denen in diesem Lied in ebensovielen Strophen die Leviten gesungen werden.

Die zweite Strophe, hat sie verlautbart, gilt Warren Beatty. Klar, mit Beatty im Bett, das war damals der erotische Ritterschlag, sowas behält man nicht für sich, auch wenn man es in Form einer Abrechnung kundtut. Doppelmoral sei Lob, Preis, Dank und Ehr. Sie unterstellt ihm sogar, wie ein kleines Kind die Dinge wegzuwerfen, die er liebt, weil die Wahrheit, dass auch ein Warren Beatty nur Dinge wegwirft, die er nicht mehr liebt, ihren Stolz allzu sehr verletzt hätte. Mick Jagger, zufällig bei den Recordings in den Apple Studios anwesend, muss sich ange­­­sprochen gefühlt haben und sang spontan im Chor mit. Vielleicht entsprach sie auch nur sei­nem Beute­schema. You’re so vain, too, Mick.

Nach dieser schockierenden Lebenserfahrung hat unsere Jetset-Rebellin dann James Taylor geheiratet, einen sensiblen wie fragilen Songwriter, den man, ob man will oder nicht, von „You got a friend“ kennt. Spießbürgerliches Nirvana, offenbar die richtige Wellenlänge für die verwöhnte Carly, und wow, heroinsüchtig war der auch mal. Schließlich landete sie in den Armen eines Geschäftsmannes und Poeten. Wetten, dass sie seine Gedichte verlegt? Egal, You’re so vain wird jedenfalls kei­nen Platz mehr haben im Repertoire von August Becker. Cos you’re more vain than anyone, Carly.

Neulich habe ich Lolita gegoogelt, nicht die kindliche Verführerin Nabokovs, sondern die Schlagersängerin mit der angedunkelten Stimme, die einem nicht näher genannten Seemann empfiehlt, das Träumen zu lassen.

Hand aufs Herz: ich hatte mir keine paus- und pobäckige Vierzehnjährige erwartet, aber eine Trüm­merfrau Anfang dreißig, die notdürftig aufgebrezelt in einem viel zu steifen, auch noch die Knie verdeckenden Kleid steckte, als käme sie gerade vom Besuch der Heiligen Messe, das hat mich dann doch enttäuscht. Eine Zarah Leander für Pfadfinder! Ein Bild war zerplatzt, das ich seit jenen Tagen mit mir herumtrug, an denen ich begonnen hatte, mir Lieder zu mer­ken. Lolita, ein unverzichtbarer Teil meiner musikalischen Muttermilch, musste neu gebootet werden.

Eines war mir schon immer klar gewesen: nicht der Seemann träumt in diesem Lied, sondern Esther Einzinger aka Lolita. Sie tut dies stellvertretend für alle Nachkriegsfrauen, die damals inmitten von  Kriegserinnerungen, verblassendem Christentum, Babyboom und Hausbau von Fernweh ergriffen wurden, was man heute viel treffender als Hausfrauen-Blues bezeichnen würde. Aber den Seemann, den musste ich neu überdenken, wobei mir sofort auffiel, dass ich gar keinen solchen in natura kenne. Mein Basiswissen über Seeleute stammt von Hans Albers, Freddy Quinn und Lolita, mein Aufbauwissen von den Jörn-Farrow-Heften meines Vaters, von Jules Verne und Herman Melville.

Wie es aussieht, haben Seeleute einen Drang hinaus aufs Meer, dem sie nicht widerstehen kön­nen. Deshalb kommen sie auch nur selten zurück, und wenn doch, fahren sie gleich wieder fort. Eigentlich Hallodris, werden sie doch von Frauen und Müttern geliebt, auf so tragische Weise natür­lich, dass nur mehr wehmütige Lieder Trost spenden können. Und da fragt man sich: in einem Land voller Tragödien aus einem verlorenen Weltkrieg, wozu in so einem Land auch noch die Seemanns-Tragödie?

Meine Antwort: Weil die Kriegs-Tragödien keine Lieder haben. Sie waren zu schrecklich, um noch besungen werden zu können. Also besang man stellvertretend für all die Soldaten den Seemann, der, getrieben von einer schicksalshaften Macht, hinausfährt und nicht wiederkehrt. Nach Rio und Shanghai, nach Bali und Hawaii, also an die schönsten Orte der Welt, was soviel heißt wie: ins Paradies. Er kommt nicht wieder, aber es geht ihm gut: das tröstet. Gut gemacht, Lolita.